lunes, 29 de abril de 2013

LA RETÓRICA VISUAL

Según los contenidos de los apuntes expuestos en clase, la retórica visual "es el estudio de la técnica para utilizar el lenguaje de forma efectiva” y, además, “el arte de utilizar el habla para persuadir, influir o agradar”.

La retórica clásica surgió en la antigüedad, consistía en dominar el arte de convencer. Aristóteles(s. IV a.C.) Cicerón(s 1 d.C.)

El objetivo de la retórica ha sido y es persuadir mediante el lenguaje.

Las estrategias persuasivas de la imagen son los recursos retóricos. Los efectos de persuasión, tanto en el texto como en la imagen, se logran por la unión de efectos producidos por figuras retóricas que se refuerzan mutuamente.

Los recursos retóricos son las figuras o tropos literarios que usa la poesía para crear imágenes, provocar sensaciones e introducirnos en el mágico espacio de la creación. Consiste en representaciones que dan un sentido figurado, no denotativo. Son una representación de la realidad que sirven para subrayar aspectos de la misma, y son los que generalmente más impresionan.

La publicidad emplea todo esto para captar la atención de las personas, suscitar un interés sobre lo que se ofrece para conseguir que se compre el producto. 

A continuación expondré algunos recursos de la imagen que utiliza la publicidad:

ALEGORÍA.

Es algo ficticio en virtud de la cual una cosa representa o significa otra diferente. Es la representación simbólica de ideas abstractas.


ANÁFORA O REPETICIÓN.

Consiste en la repetición de uno o varios elementos. 


SÍMIL Y COMPARACIÓN.

La comparación consiste en exponer dos elementos en los que se pueda establecer las cualidades que tienen en común y aquellas otras que los diferencian. El símil establece un vínculo entre dos clases de ideas u objetos, a través de la conjunción comparativa “como”.


                                                  Imagen obtenida de los apuntes.

PERSONIFICACIÓN.

Se atribuyen cualidades humanas a objetos alimentos, animales.

                                                         Imagen obtenida de los apuntes.

METÁFORA.

Consiste en designar un objeto por medio de otro.

Imagen obtenida de los apuntes.
HIPÉRBOLE.


Se utiliza una exageración desmedida para designar algún producto o destacar la idea que se pretende expresar.



Imágenes: Apuntes de clase; Creative Common Search; Google Images.



LA EDUCACIÓN PROHIBIDA


La educación prohibida es un vídeo-documental que refleja muy bien la situación de la escuela de hoy en día. 


La película propone modelos educativos novedosos o métodos que ya fueron expuestos antiguamente, como el de la escuela de Platón en Grecia.

Según lo que la mayoría de los entrevistados indica, la escuela actual está anticuada. Se quiere formar a todos los niños igual, al mismo tiempo y con los mismos conocimientos promoviendo así la competencia entre los niños y quitando libertad, formando a los alumnos en un sistema cerrado y estricto que para nada atiende a las necesidades e intereses de los alumnos.

La disciplina impuesta por los profesores, muchos errores que alimentan que la educación no triunfe, haciendo que estudiar tenga connotación negativa.

Para poder crear una educación completa y útil, hay que reflexionar sobre la propia educación, hacer modificaciones llevadas a cabo por profesionales de la educación, pensando en el alumno, y no en lo que la política quiere ya que, actualmente, el docente impone y adoctrina, poniendo como prioridad los contenidos teóricos, el desarrollo curricular, ideados por políticos que nunca han entrado en un aula, salvo en su etapa de estudiante.

La película propone un debate de reflexión ante las bases que sostiene la escuela. Para ello, proponen alternativas basadas en la integración de todos los niños, utilizando el respeto y la libertad como vía de aprendizaje, y la atención a los intereses del alumnado, consiguiendo así su motivación.

En la naturaleza del niño está el aprender, ya que siempre están explorando, investigando de manera innata, y por ello el maestro debe aprovechar esa oportunidad y guiar a sus alumnos en ése viaje de descubrimiento, y no imponer aquello que no mantenga al niño motivado.

Este documental es un llamamiento al cambio, por la necesidad de crear nuevas formas de educación, basadas en el alumno, en la que ellos sean actores involucrados en aquello que aprenden, y no meros espectadores de su educación. 

jueves, 25 de abril de 2013

LA EXPRESIÓN CORPORAL


Un aspecto fundamental en el día a día de las personas es la capacidad de comunicar y transmitir emociones.

Gracias al arte, el ser humano ha conseguido una vía con la que poder realizar el acto de comunicación y transmitir con ello diferentes emociones, ya sea mediante la poesía, la música, la pintura, etc.

Pero no todas las personas tienen ese “don” especial que les permite ser creativos, y que les da la posibilidad de crear grandes obras de arte. Sin embargo, todos y cada uno de nosotros hemos conseguido transmitir alguna emoción o comunicar algo mediante un gesto, un abrazo, alguna que otra sonrisa, etc.

Es la expresión corporal, el arte de transmitir emociones y comunicar ideas gracias a la utilización del propio cuerpo humano. Es, además, una de las principales formas de comunicación del ser humano.

En las escuelas, la expresión corporal se emplea como método educativo, que favorece los procesos de aprendizaje, estructurar el esquema corporal, construir una apropiada imagen de sí mismo, mejorar la comunicación y desarrollar la creatividad.

Los maestros debemos sacar partido a esto, aprovechar la expresión corporal para ayudar al alumno a desenvolverse con mayor soltura en su vida cotidiana y que pierdan sus miedos escénicos.

Con el tiempo, la expresión corporal puede convertirse en una forma de crear arte, y transmitir sentimientos muy profundos. 

Si alguien tiene la menor duda sobre esto, le invito a ver este vídeo y reflexionar sobre el poder de la expresión corporal. 


martes, 23 de abril de 2013

CUESTIÓN DE EDUCACIÓN

El pasado mes de febrero, el periodista Jordi Évole y su equipo (Salvados) presentaron “Cuestión de Educación”, un documental  que busca  llamar la atención sobre una de las cuestiones que más afecta a nuestro país.

A lo largo del vídeo, Jordi realiza una comparación entre la educación española y finlandesa, considerada la educación que mejores resultados obtiene.

A pesar de ser el país que más horas emplea en las aulas, España encabeza la lista de fracaso escolar en Europa, uno de cada tres alumnos abandona la escuela,  algo inconcebible, sobre todo si la contrastamos con el 0,2% de abandono escolar en Finlandia. Esto es fruto de un sistema educativo de chiste, donde los que llevan las riendas de algo tan importante como es la educación de los más pequeños está en manos de políticos que nada tienen que ver con la Educación, y que no han trabajado nunca en un aula. Ello se refleja en palabras de la expresidenta de Finlandia: “un pueblo educado no permite corruptos ni incompetentes”, toda una declaración de intenciones que sitúa la Educación al nivel de una cuestión de Estado.

Vemos que en Finlandia, la modificación de las leyes educativas las realizan los propios profesores, quienes están día a día en las aulas. Sin embargo, en España, esto no es más que un sueño.

A lo largo del documental se muestran datos sorprendentes, una ejemplo de algunos de ellos el elevado porcentaje (98%) de los colegios que son públicos en Finlandia, siendo además totalmente gratuitos, incluyendo el  material escolar y la comida. La duración de las clases es menor que en España y los descansos o recreos son continuos. Además, en Finlandia no hay distinción ni exclusión hacia ningún niño/a, ni entre colegios dado que todos ofrecen los mismos servicios.

Mientras tanto, en España se persigue a la Educación Pública y se pretende extinguirla, en favor de la Escuela Privada. 

Enlace al documental: http://www.lasexta.com/videos/salvados/2013-febrero-3-2013020300007.html

EDUCACIÓN Y FORMACIÓN: CAMBIANDO EL PARADIGMA


EL BUSCADOR

Esta es la historia de un hombre al que yo definiría como un buscador… 
Un buscador es alguien que busca; no necesariamente alguien que encuentra. Tampoco es alguien que, necesariamente, sabe qué es lo que está buscando. Es simplemente alguien para quien su vida es una búsqueda. 

Un día, el buscador sintió que debía ir hacia la ciudad de Kammir. Había aprendido a hacer caso riguroso de estas sensaciones que venían de un lugar desconocido de sí mismo. Así que lo dejó todo y partió.
Después de dos días de marcha por los polvorientos caminos, divisó, a lo lejos, Kammir, Un poco antes de llegar al pueblo, le llamó mucho la atención una colina a la derecha del sendero. Estaba tapizada de un verde maravilloso y había un montón de árboles, pájaros y flores encantadores. La rodeaba por completo una especie de pequeña valla de madera lustrada.  Una portezuela de bronce lo invitaba a entrar. 

De pronto, sintió que olvidaba el pueblo y sucumbió ante la tentación de descansar por un momento en aquél lugar.
El buscador traspasó el portal y empezó a caminar lentamente entre las piedras blancas que estaban distribuidas como al azar, entre los árboles.
Dejó que sus ojos se posaran como mariposas en cada detalle de aquel paraíso multicolor.
Sus ojos eran los de un buscador, y quizá por eso descubrió aquella inscripción sobre una de las piedras:

"Abdul Tareg, vivió 8 años, 6 meses, 2 semanas y 3 días".

Se sobrecogió un poco al darse cuenta de que aquella piedra no era simplemente una piedra: era una lápida.  Sintió pena al pensar que un niño de tan corta edad estaba enterrado en aquel lugar.
Mirando a su alrededor, el hombre se dio cuenta de que la piedra de al lado también tenía una inscripción. Se acercó a leerla. Decía:

"Yamir Kalib, vivió 5 años, 8 meses y 3 semanas".

El buscador se sintió terriblemente conmocionado. Aquel hermoso lugar era un cementerio, y cada piedra era una tumba.

Una por una, empezó a leer las lápidas. Todas tenían inscripciones similares: un nombre y el tiempo de vida exacto del muerto. Pero lo que lo conectó con el espanto fue comprobar que el que más tiempo había vivido sobrepasaba apenas los once años…

Embargado por un dolor terrible, se sentó y se puso a llorar.

El cuidador del cementerio pasaba por allí y se acercó.  Lo miró llorar durante un rato en silencio y luego le preguntó si lloraba por algún familiar. 

-No, por ningún familiar —dijo el buscador—. ¿Qué pasa en este pueblo? ¿Qué cosa tan terrible hay en esta ciudad? ¿Por qué hay tantos niños muertos enterrados en este lugar? ¿Cuál es la horrible maldición que pesa sobre esta gente, que les ha obligado a construir un cementerio de niños? 

El anciano sonrió y dijo: 

- Puede usted serenarse. No hay tal maldición. Lo que pasa es que aquí tenemos una vieja costumbre. Le contaré…:

“Cuando un joven cumple quince años, sus padres le regalan una libreta como esta que tengo aquí, para que se la cuelgue al cuello. Es tradición entre nosotros que, a partir de ese momento, cada vez que uno disfruta intensamente de algo, abre la libreta y anota en ella:

A la izquierda, qué fue lo disfrutado. A la derecha, cuánto tiempo duró el gozo.

Conoció a su novia y se enamoró de ella. ¿Cuánto tiempo duró esa pasión enorme y el placer de conocerla? ¿Una semana? ¿Dos? ¿Tres semanas y media…? Y después, la emoción del primer beso, el placer maravilloso del primer beso… ¿Cuánto duró? ¿El minuto y medio del beso? ¿Dos días? ¿Una semana? ¿Y el embarazo y el nacimiento del primer hijo…? ¿Y la boda de los amigos? ¿Y el viaje más deseado? ¿Y el encuentro con el hermano que vuelve de un país lejano? ¿ Cuánto tiempo duró el disfrutar de estas situaciones? ¿Horas? ¿Días?

Así, vamos anotando en la libreta cada momento que disfrutamos… Cada momento.

Cuando alguien se muere, es nuestra costumbre abrir su libreta y sumar el tiempo de lo disfrutado para escribirlo sobre su tumba. Porque ese es para nosotros el único y verdadero tiempo vivido”. 

(Jorge Bucay).

lunes, 22 de abril de 2013

LA COMUNICACIÓN

En cada forma de comunicación existen un emisor, un mensaje, un código, un contexto, un medio, función y un receptor.

En el contexto intervienen un emisor, es decir, el acto de representación, y un receptor, es decir, el acto de interpretación. 

¿En qué consiste representar? En sustituir la realidad por otra cosa a través del lenguaje visual. El protagonista es el emisor.

















Imagen de un hombre.

El acto de representar es llevado a cabo por el emisor y, como éste aporta su experiencia personal en cada representación, ninguna representación es igual de individuo a individuo. Además, la representación implica una transformación. La realidad desaparece al utilizar el emisor un juego de carácter metafórico. El significante es el aspecto de la imagen y el significado es la idea. 

¿En qué consiste interpretar? En otorgar cierto significado a las representaciones de carácter visual. El protagonista es el receptor.
El acto de interpretación es llevado a cabo por el receptor y, como éste aporta su experiencia personal en cada representación, ninguna representación es igual de individuo a individuo. 
El acto de interpretación el espectador realiza un acto de significación y da un nuevo sentido a lo representado: su experiencia personal, su memoria, su imaginación, etc.

No debemos de olvidar que el observador es mucho más que el receptor del mensaje, es el constructor del mensaje.

Cualquier producto visual puede tener varias interpretaciones apropiadas. A este fenómeno es lo que se denomina obra abierta. La realidad es representada por el emisor y la representación es interpretada por el receptor.

La comunicación visual utiliza imágenes y signos. Las imágenes tienen varios significados, es decir, son polisémicas, mientras que los signos tienen un único significado. 

Los signos pueden ser códigos visuales, conjuntos de normas y procedimientos que relacionan significantes con significados.

Los mensajes transmitidos pueden ser objetivos (discurso denotativo) o subjetivos (discurso connotativo). 

Por otro lado, las imágenes cumplen diferentes funciones (informativa, estética, descriptiva, narrativa, publicitaria, etc). Todo ello tiene diferentes objetivos, ya sea informar, describir, o vender productos, principalmente, en una sociedad cada vez más consumista. 

EL LENGUAJE VISUAL

Según la tabla de porcentajes de retención de la información (J. Ferres, 1992), el 83% de la información que obtenemos proviene del sentido de la vista.

¿Qué es el lenguaje visual?

La comunicación visual está fundamentada en un sistema de transmisión de señales, cuyo código es el lenguaje visual.
La semiología de la imagen o semiótica visual es la rama del saber centrada en los problemas de la comunicación a través del lenguaje visual.
Lenguaje visual es el código específico de la comunicación visual. Es un sistema de comunicación que utiliza las imágenes como instrumento.

Sin embargo, una imagen no es la realidad. 


                                  Imagen: "La trahison des images" René Magritte. 


El "efecto realidad" hace que entendamos cualquier representación visual como un documento y por tanto, no pongamos en duda su contenido.

La comunicación visual ha sufrido una gran evolución a lo largo de la historia. En primer lugar apareció la era de la tradición oral, en la que el lenguaje hablado ha sido el principal medio de comunicación y los conocimientos se transmiten fundamentalmente de modo oral. 

Posteriormente, la comunicación cambió con la llegada de la imprenta, en la que el libro toma el relevo de la memoria, con lo que el saber se desarrolla más ampliamente por la capacidad de este medio de conservar y difundir el pensamiento.

Finalmente, la comunicación visual se amplía debido a la cultura de masas, fenómeno que aparece en Europa en el siglo XIX, como resultado de la incidencia de las primeras tecnologías de comunicación social (litografía, fotografía, cartel) sobre la nueva sociedad urbana e industrial.
Aparecen la fotografía estática y la fotografía en movimiento, con los vídeos, encargados de difundir información. La fotografía y las imágenes se completan con el cartel, que relaciona imágenes con textos. 

                          Imagen: "Moulin Rouge", Toulouse-Lautrec.

Los medios de comunicación de masas son los encargados de transmitir la información. A veces, manipulan imágenes para que los observadores piensen y vean aquello que se quiere transmitir. Se modifican las imágenes con una intención comercial y consumista.


LOS RECURSOS DEL ENTORNO

En el día a día, los alumnos y sus maestros necesitan hacer uso de múltiples recursos para la realización de la mayoría de las actividades, ya sean recursos informáticos, o recursos materiales para asignaturas como Música, Plástica, Conocimiento del Medio, etc.

Pero, ¿dónde se pueden conseguir tantos recursos? La respuesta es sencilla: sólo hay que observar el entorno. 

Se pueden obtener muchísimos recursos didácticos de la naturaleza, de los materiales de desecho, de las imágenes que tenemos ante nosotros a diario, de la arquitectura, etc.

La naturaleza nos da la posibilidad de estudiarla a fondo y analizarla, ofreciendo multitud de recursos para que podamos utilizarlos en todas las áreas de conocimiento. Así, podemos utilizar elementos de la naturaleza como una simple planta para estudiarla en Ciencias Naturales e, incluso, en Matemáticas. 


También podemos emplear elementos de la naturaleza para crear arte, en Educación Artística. Podemos utilizar materiales naturales como piedras, hojas, conchas marinas o palos para crear nuestra propia obra de arte o, por otro lado, utilizar un paisaje para dibujarlo o fotografiarlo.

                                               Imagen: http://hq-pictures.ru/es/

Por otro lado, y para proteger y conservar la naturaleza y el medio ambiente, podemos utilizar materiales de deshecho cuando necesitemos recursos para las diferentes asignaturas. Podemos elaborar actividades interdisciplinares que relacionen Plástica y Música, o Plástica y Conocimiento del Medio. 
Podemos construir nuestros propios instrumentos musicales con materiales reciclados, y a su vez, concienciar a los alumnos de la importancia del reciclaje para la conservación del medio natural. 
Además, podemos hacer otras actividades en las que, mediante material reciclado, realicen un autorretrato y, de esta manera, tratar las partes del cuerpo humano.
Gracias a la realización de estas actividades manuales, se puede trabajar en matemáticas los conceptos básicos de geometría, así como las medidas de los diferentes materiales.


                                             Imágen: http://www.jugarycolorear.com

De esta manera, podemos trabajar de una forma interdisciplinar, fomentando el respeto hacia los materiales y el entorno, y aprendiendo con muy pocos recursos económicos. 

VER Y OÍR UNA IMAGEN: "Metrópolis", George Grosz.

                                                                "Metrópolis", George Grosz.

Tras haber realizado una descripción en profundidad sobre cómo analizar las imágenes, según el artículo "Ver y oír una imagen", de Aurelia Sanz, pondré en práctica los pasos indicados para analizar una obra de Grosz, "Metrópolis".

En primer lugar tenemos la fase descriptiva, en la que se debe analizar de manera objetiva lo que se ve. En este caso, se puede observar una ciudad llena de gente en movimiento, muchas de las personas carecen de rostro y evocan a las figuras de los fantasmas, edificios grandes, con distintos locales como un Café,  una bandera de EEUU, un edificio en ruinas, que da sensación de catástrofe, vehículos como carros o un tren, y animales como perros o caballos. Es una escena nocturna, iluminada por la farola del centro. 

Una vez que se ha descrito lo que se puede observar a simple vista, pasamos a una segunda fase, denominada fase interpretativa, en la que se debe reflexionar sobre la intención del autor y qué quería decir con esta obra. En este caso podemos observar diferentes simbologías. Por un lado, podemos observar una bandera, que representa a un país (EEUU). Esto, si lo asociamos a que Grosz tenía una gran fascinación por las grandes ciudades del norte de América, y a que emigró allí cuando los nazis tomaron el poder en Alemania, adquiere un gran sentido. 
Por otro lado se puede observar una cruz, que representa la muerte y la religión.

Centrándonos en los edificios y medios de transporte, y teniendo en cuenta la fecha de realización de la obra (1916-1917), podemos deducir que se trata de una gran ciudad, en la que el reina el caos y la desesperación, fruto de una gran guerra, como la Primera Guerra Mundial. Como algunas de las palabras que aparecen son alemanas, es espacio representado tiene que ser una gran ciudad alemana, como Berlín. Por tanto, el autor quiso representar el dolor y la angustia, el desastre y el caos producido por la Primera Guerra Mundial.

Todo esto nos lleva a la tercera fase, la fase emotiva, en la que podemos indicar las emociones que nos evoca la imagen. En este caso, la imagen expresa dolor, movimiento, angustia, miedo, terror, tensión, caos, misterio, desastre, confusión, destrucción, muerte... Pero también hay que tener en cuenta que todos estos sentimientos no van a ser los mismos para todos los observadores, ya que cada persona es diferente. No va a ser lo mismo para alguien que ha vivido una guerra, que para otra persona que no la haya vivido. 

Todas estas sensaciones han sido representadas voluntariamente por el autor, ya que su intención era recrear el ambiente que se estaba sufriendo en ese instante. Para ello, mediante la fase analítica, se debe reflexionar sobre cómo consiguió el autor evocar esas sensaciones. En relación con el color, aparecen colores rojos, naranjas, amarillos y negros, colores cálidos que producen miedo, dolor, sufrimiento, movimiento. 
El espacio es muy reducido, rodeado de edificios elevados y grandes, donde las calles están llenas de gente, y todo ello produce una sensación de agobio, de falta de espacio, en la que llega a faltar el aire.
La falta de luminosidad indica que la escena es nocturna, donde la luz es artificial, producida por la farola y la luna. 
El cuadro se pintó en un cuadrado, donde predominan las líneas verticales, como la farola y los edificios, y las horizontales que las cruzan, que indican movimiento y desorden. 

Todo este análisis se puede finalizar con otra fase, en la que se puede pensar sobre los sonidos que se podrían escuchar en esa escena. 

domingo, 21 de abril de 2013

VER Y OÍR UNA IMAGEN

En relación a la cultura visual, hay que resaltar la importancia  que tienen las imágenes, y qué nos transmiten estas. Para ello, cada uno de nosotros debemos aprender a interpretar las imágenes que nos rodean. 

Ya sabemos que a través del sentido de la vista obtenemos mucha información, y los maestros debemos enseñar a los alumnos a entender las imágenes para poder utilizarlas. 

El artículo "Ver y oír una imagen" indica que hay que saber ver para comprender y saber hacer para comunicar. Para ello, el artículo muestra un proceso mediante el cual los alumnos y las personas en general, pueden analizar en profundidad cualquier imagen que se les presente.

En primer lugar, se presenta la fase descriptiva, en la que el observador debe pensar en todo lo que ve, descubriendo por sí mismo cada detalle, cada característica que aparezca en la imagen. Consiste en un análisis objetivo, describiendo cada rasgo. En esta fase, el profesor puede orientar a sus alumnos mediante la realización de preguntas que indiquen características importantes de la imagen.

En segundo lugar, el artículo plantea la fase interpretativa, en la cual se debe reflexionar sobre la posible intención del autor en relación a su obra. El alumno u observador debe prestar atención a los detalles observados en la fase anterior, y a partir de ahí, buscar una relación con simbologías universales o culturales, a partir de las cuales encontrar el mensaje que el autor quiso transmitir. 

A continuación aparece la tercera fase, denominada fase emotiva, en la que los alumnos deben expresar las emociones y sentimientos que les produce la imagen, de manera subjetiva. A partir de estos sentimientos que cada uno indica, se puede reflexionar sobre las emociones que el autor quiso plasmar en su obra, es decir, qué emociones quería que se evocaran al observar su obra. En mi opinión, es importante resaltar que cada persona es diferente y, por tanto, las emociones que la obra transmita pueden ser tantos como personas observen la imagen. 

La siguiente fase del proceso de análisis de imágenes, según este artículo, es la fase analítica, la cual requiere una reflexión sobre los aspectos empleados para transmitir esas emociones. Para ello, el maestro puede incidir sobre los aspectos más destacables como el color de las imágenes, las formas, el espacio, la luz, etc. 

Finalmente, el proceso termina con una fase final, consistente en  emitir un sonido ligado a una emoción. 

En esta experiencia, el papel del profesor es el de orientador y guía de la actividad, cuyo objetivo es fomentar la participación de sus alumno, y observar cómo se expresan, cómo reaccionan ante las imágenes, y favorecer una metodología de auto-aprendizaje. 

El artículo, a demás de presentar las fases, incluye una descripción detallada sobre la programación de una actividad, consistente en la descripción de imágenes. En la programación se incluyen objetivos, el proceso a seguir, los materiales a utilizar, metodologías, criterios de evaluación y actividades propuestas a modo de guía. 

En mi opinión, realizar actividades de este tipo en el aula son muy beneficiosas, ya que se fomenta el auto-aprendizaje de los alumnos y su participación activa e implicación en las actividades, y gracias a ello mejora la motivación de los alumnos. 



domingo, 14 de abril de 2013

ETAPAS GRÁFICO-PLÁSTICAS DEL NIÑO


Las etapas gráfico-plásticas son pautas de maduración que surgen espontáneamente en niños de la misma edad mental. Están definidas por una serie de características propias y se suceden sistemática y gradualmente (no existen saltos). No se pasa de una etapa a otra en la misma edad o época de desarrollo, depende de cada niño. No se puede determinar donde empieza una y termina la otra. 

Según Lowenfeld y Lambert, estas etapas son:

1.Etapa del garabato (2 a 4 años)
2.Etapa preesquemática (4 a 7 años)
3.Etapa esquemática (7 a 9 años)
4.Etapa comienzo del realismo (9 a 11 años)
5.Etapa pseudonaturalista (11 a 13 años)
6.El período de la decisión (13 a 17 años)

1. Etapa del garabato (2 a 4 años)

En esta etapa, podemos clasificar los dibujos en tres grupos distintos. En primer lugar, aparecen dibujos desordenados, sin ningún tipo de criterio, denominados garabato sin control. Predominan los trazos impulsivos, realizados con todo el brazo, y donde el niño no centra su atención en el dibujo, mirando hacia todos lados.  

El siguiente grupo de la etapa es el garabato controlado, en el cual hay una correspondencia entre lo que el niño mira y el movimiento del brazo. El niño descubre que el ojo puede guiar a la mano. Poco a poco se van controlando más los movimientos, y a los 3 años, el niño es capaz de interrumpir voluntariamente los trazos. 

El último grupo de la etapa se denomina garabato con nombre. Es una etapa de gran trascendencia, pues se activa la imaginación del niño, y aparece la función simbólica del grafismo. Luncat establece tres momentos diferenciados según la relación gráfica y la actividad verbal: Cuando no hay semejanza entre representación y el objeto representado. (La verbalización resalta sobre el grafismo); Cuando aparecen las semejanzas entre representación y objeto representado. (La verbalización se une al grafismo); Cuando el niño anuncia previamente lo que va a dibujar. (El grafismo manda en el lenguaje).


2. Etapa preesquemática (4 a 7 años)

La siguiente etapa que aparece es la preesquemática, donde el niño comienza a realizar dibujos con un sentido, pues desaparecen los garabatos. No dibuja lo que ve, sino lo que el niño conoce de la realidad que le rodea. 

Normalmente, los dibujos se basan en el propio niño, produciéndose la afirmación del yo y el egocentrismo. Los dibujos de las personas, tan simples, se conocen como renacuajo.

No hay un orden prefijado en el espacio, dibujan con libertad, y los colores que se emplean nada tienen que ver con la realidad, pues los utilizan por las emociones que les transmiten.

Habitualmente, podemos ver cómo los dibujos no están apoyados en nada, sino que flotan en el papel.


3. Etapa esquemática (7 a 9 años)

En esta etapa, los dibujos del niño "pasan a la acción". Trabajan con su propio esquema, con su conocimiento. Aquí podemos observar dos tipos de esquemas: el repetido o flexible, y el estereotipado o copia.  

El esquema humano es algo muy personal. Es reflejo de su desarrollo. Suelen producirse variaciones en las figuras humanas. 

Todo lo que dibujan se encuentra entre la línea "del cielo" y la del "suelo".
Comienzan a aparecer dos hileras, esto transmite el intento de perspectiva desde el punto de vista simbólico. 

El niño empieza a establecer relaciones entre el color y el objeto, y un orden espacial. 

Algo característico de esta etapa es la representación en transparencia, radiografía o "rayos x“, en la que el niño, de nuevo, representa lo que sabe de la realidad, y no lo que ve. 


4. Etapa comienzo del realismo (9 a 11 años)

Esta etapa proporciona al niño la adquisición de conciencia de pertenecer a un grupo. Cobra importancia el realismo y naturalismo en las representaciones del niño. 

La línea base comienza a desaparecer y el niño descubre la superposición. Esto se complementa con la obsesión de representar los objetos en movimiento. 


En esta etapa el niño comienza a representar características del sexo, y a concienciarse por aspectos relacionados con el medio ambiente, entre otros. Cobran mucha importancia los detalles en los dibujos. 

5. Etapa pseudonaturalista (11 a 13 años)

Comienza a percibirse la crisis de la adolescencia. Se perfilan los dos tipos de expresión artística (No todos los niños llegan a esta etapa). 

Se pasa de una actividad espontánea a una razonada, en la que hay una evolución hacia el naturalismo. Se razona el diseño, el color, la composición, etc. 

Expresa en espacio en sus cualidades tridimensionales. Se produce una tendencia a la caricatura, a la exageración de las características sexuales proyectando su personalidad en los dibujos de la figura humana. 

Se muestran críticos en su trabajo con la atención centrada en el producto final potenciando, así, la obra acabada y además, destaca el sentido intuitivo del color y del diseño. 




6. El período de la decisión (13 a 17 años)

Se perfilan dos tipos de expresión artística: 
   - Mentalidad emocional subjetiva
   - Mentalidad visual objetiva

En el primer tipo, se expresan sus emociones y sentimientos. Sus dibujos no forman un todo homogéneo. En sus trabajos todo está en función de su yo. Tiene tendencia a las exageraciones.

En el segundo tipo,el alumno ve primero el total de las cosas como conjunto. Se relaciona con el medio a través de los ojos. Piensa en términos de imágenes visuales. Es más académico. 

Conclusiones:

La actividad del dibujo responde a una necesidad del niño y debe respetarse su ritmo. 

Los dibujos infantiles son la expresión del niño en su integridad: desarrollan su capacidad intelectual, su desarrollo físico, su aptitud perceptiva, la creatividad, el gusto estético, el desarrollo social del individuo, etc.


miércoles, 10 de abril de 2013

EVOLUCIÓN HISTÓRICA DEL COLOR

El color se ha estudiado desde el principio de los tiempos, donde los hombres primitivos empleaban pigmentos obtenidos de la naturaleza para crear sus pinturas rupestres.

Pero es mucho más adelante cuando se empiezan a estudiar sus propiedades, relaciones, etc.

Uno de los primeros autores que realizó estudios analíticos sobre las propiedades del color fue Aristóteles, quien descubrió los “colores básicos” relacionados con la tierra, el agua, el cielo y el fuego.


Leonardo da Vinci clasificó como colores básicos al amarillo, verde, azul y rojo de acuerdo a aquellas categorías de Aristóteles, agregando blanco como receptor de todos los demás colores y el negro (la oscuridad) como su ausencia.


                                                     "La Última Cena". L. Da Vinci.

En 1666, Isaac Newton plantea los fundamentos de la teoría del color, base del desarrollo científico posterior.

En 1810, Goethe publicó su "Teoría de los Colores" y se convirtió en uno de los primeros investigadores modernos en estudiar la función del ojo, y cómo nos afectan los colores, así como el fenómeno subjetivo de la visión y la percepción. Fue el precursor de la Psicología del Color.
James Clerk Maxwell, en 1861, estudió la forma de obtener las imágenes a color, y utilizó un sistema aditivo. 




En 1905, Albert Münsell desarrolló un sistema con el que se ubican de manera precisa los colores en un espacio tridimensional. Para ello define tres atributos en cada color: TONO, cualidad por la que se identifica el color; LUMINOSIDAD, grado de claridad u oscuridad de un color; SATURACIÓN, grado de pureza de un color.

                                             Imagen: http://spie.org/x33063.xml

Posteriormente, la escuela BAUHAUS y sus autores han trabajado también el color y sus propiedades. 



lunes, 8 de abril de 2013

LA PSICOLOGÍA DEL COLOR

El color es el fenómeno físico que produce la luz cuando los ojos la captan y perciben, y es interpretada por el cerebro. Este fenómeno físico es transmisor de sensaciones y significados.

El color está presente en nuestra vida de forma directa, pues continuamente lo estamos percibiendo. Esta percepción del color produce en nuestro cerebro diferentes sensaciones en función de cómo se combinen esos colores.

Para crear esas emociones y sensaciones, los colores se combinan en función de la armonía y el contraste, produciendo imágenes más o menos agradables a la vista. 

Aquí podemos observar dos imágenes que utilizan colores complementarios para dar contraste y así producir diferentes sensaciones:



En cambio, en esta otra imagen el pintor utiliza colores equidistantes para producir un contraste más perfecto:



Otros colores, en función de la combinación, pueden evocar distintas sensaciones térmicas:


Se puede observar claramente cómo los colores pueden influir en las sensaciones, y que las personas asociamos los diferentes colores con sentimientos o valores, por ejemplo, el rojo la pasión, el azul o el blanco la pureza y tranquilidad, el verde con la naturaleza, etc.

Cuando hablamos del color y su psicología, es importante destacar que no todas las personas van a ver y sentir lo mismo. Es muy importante la subjetividad del que ve. 

Todo esto se utiliza para crear un lenguaje visual con el que comunicar algo; se denomina semiótica del color. Los colores expresan estados anímicos y emocionales de muy concreta significación psíquica, también ejercen acción fisiológica.


"Quien nada sabe sobre los efectos universales y el simbolismo de los colores, jamás podrá emplearlos adecuadamente". Eva Heller

miércoles, 3 de abril de 2013

APRENDE A ENSEÑAR, ENSEÑANDO APRENDERÁS

Por mucho que la mayoría de la gente piense lo contrario, la verdad es que ser un buen maestro no es sencillo. 

Los futuros maestros nos esforzamos por aprender cada día a enseñar; aprendemos diferentes metodologías, leyes educativas, formas de motivar a nuestros futuros alumnos, además de contenidos de cada asignatura.

Para ser maestro hay que sentir la vocación, ya que se va a dedicar toda una vida a ello. Personalmente, sé que acerté cuando decidí estudiar esta carrera, ya que va con mi forma de ser, y porque quiero devolver al mundo todo lo que me ha enseñado, y que aún me queda por aprender.

Ser un buen maestro no consiste en estudiar 4 años y aprobar unas oposiciones, porque eso lo puede hacer cualquiera. Ser un buen maestro conlleva una responsabilidad con tus alumnos, un esfuerzo y un afán de superación por seguir formándote día a día, sin dejar de aprender nunca. 

Un maestro jubilado me dijo una vez que no se llega a ser un buen maestro hasta que no das tu última clase, tras años y años de ejercicio y formación contínua, y que no se es consciente de ello hasta que un antiguo alumno, después de muchos años, se acerca a saludarte y a darte las gracias por lo que se hiciste por él o ella. 

Como alumnos, sabemos si alguien es un buen maestro cuando tienes un recuerdo de esa persona grabado en la memoria, y que te marcó para toda tu vida. 

Dentro de varios años me gustaría poner en práctica todo esto que estoy aprendiendo, y seguir aprendiendo cada día de cada situación, de cada momento, de cada clase, de cada uno de mis futuros alumnos y de cada uno de mis compañeros, y llegar a ser ese maestro jubilado al que saluden por la calle y den las gracias, de ser recordado por mis alumnos, de ser un buen maestro.


martes, 2 de abril de 2013

LOS 4 MODELOS HISTÓRICOS DE ENSEÑANZA

La forma de interpretar y crear el arte se ha ido transformando y evolucionando a lo largo de la historia del arte. El arte era algo básico y principal para muchas culturas como la griega; el arte era un elemento cultural muy importante. Sin embargo, en la actualidad el arte no se ve como algo necesario, sino como un hobby y en los colegios se cursa una asignatura que no es un fiel reflejo de la grandeza del arte. 

Existen cuatro modelos históricos en la enseñanza del arte, que aún hoy se intentan conservar. Estos son: El taller del artista, la Academia, la Bauhaus y el Genio.

EL TALLER DEL ARTISTA.

El primero de los modelos y el más antiguo, es el más simple y eficaz de los cuatro. Este modelo se basa en la experiencia, en la que el maestro enseña a sus alumnos. 

A lo largo de la historia se publican multitud de libros y manuales dedicados al conocimiento de técnicas y materiales y tratados y libros, principalmente de láminas con dibujos y esquemas gráficos, que enseñan cómo dibujar o pintar imágenes concretas.


Dibujo del siglo XII. Joven aprendiz Everwinus y su maestro Hildebertus.

LA ACADEMIA.

En 1563, el artista e historiador Giorgio Vasari fundó la primera academia de dibujo en Florencia.

En este modelo se enseñan los métodos tradicionales. El sistema de la academia de Bellas artes fue creado y elaborado a través de los tratados escritos por León Battista Alberti, Piero della Francesca, da Vinci y Durero, además d otros artistas y teóricos del Renacimiento, principalmente italianos.

El proceso de aprendizaje e investigación debía desarrollarse en torno a dos grandes ejes. Por una parte en el conocimiento científico que fundamentaba la creación artística como la perspectiva, la geometría, la anatomía…y por otro lado en la práctica del dibujo, principalmente la pintura y la escultura.

El hombre de Vitruvio, Leonardo da Vinci

LA BAUHAUS.

La Das Staatliches Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) o como es más conocida, la Bauhaus, fue la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933.

Este modelo está ligado a la simbología, a lo abstracto. El dibujo, la pintura y la escultura ya no tienen porqué estar pendientes de imitación de la realidad, sino más bien concentrarse en su propia realidad expresiva. Se entiende el arte como lenguaje. 

La pintura es expresión en sí mismo, deja de relacionarse con la representación.  Detrás de la imagen hay información.

Ver es pensar, y por consiguiente, las obras visuales son un modo de conocimiento y las artes visuales constituyen un lenguaje.
El aprendizaje de una gramática de las imágenes es imprescindible para la comprensión de la cultura actual.

EL GENIO
El sistema del genio o del desarrollo creativo personal fue prefigurado por los artistas románticos. Fueron ellos los primeros en considerar la libertad y originalidad como el criterio artístico fundamental.

Viktor Lowenfeld sostuvo que para desarrollar la capacidad creadora sólo hay un camino: crear. Y para crear no es necesario ningún tipo de conocimiento previo (anti-modelo).

El artista debe permanecer en un proceso de cambio e innovación constante. 










MODELOS DE ENSEÑANZA

Existen multitud de caminos para enseñar, sin embargo, el mejor camino es aquel que instruye y educa para la vida.

La Educación Plástica y Visual es una buena manera de educar para la vida, ya que enseña valores formativos y culturales que, de otra forma, no llegarían a nosotros.


La vida requiere tener unas competencias básicas como son el conocimiento, distintas habilidades y unos valores y actitudes que formen a las personas. Los maestros debemos enseñar a nuestros alumnos a que ellos aprendan por sí mismos, y de esta manera formar personas autónomas.

Son ellos los que deben aprender a conocer, aprender a hacer y aprender a convivir, fomentar el auto-aprendizaje en un mundo cambiante.


En el currículo de la actual Ley Educativa, aparecen una serie de competencias básicas que centran todos los aprendizajes de los alumnos en la escuela, y que ponen de manifiesto lo dicho anteriormente. Estas competencias son:

1.Competencia matemática.
2.Competencia en comunicación.
3.Competencia artística y cultural.
4.Tratamiento de la información y competencia digital.
5.Competencia social y ciudadana.
6.Competencia en el conocimiento y la interacción con el mundo físico.
7.Competencia para aprender a aprender.
8.Autonomía e iniciativa personal.

Queda claro que el arte es una competencia importante, y que tiene un gran valor educativo, pues se ha estudiado desde siempre, y acerca a los alumnos y a todas las personas momentos de la historia lejanos en el tiempo, pero que podemos rescatar y estudiar en estas asignaturas.

La Educación Artística fomenta el auto-aprendizaje de los más pequeños, y da al profesor la posibilidad de crear su propio modelo de enseñanza.

Imágenes: http://search.creativecommons.org