EVOLUCIÓN HISTÓRICA DEL COLOR

El color se ha estudiado desde el principio de los tiempos, donde los hombres primitivos empleaban pigmentos obtenidos de la naturaleza para crear sus pinturas rupestres.

Pero es mucho más adelante cuando se empiezan a estudiar sus propiedades, relaciones, etc.

Uno de los primeros autores que realizó estudios analíticos sobre las propiedades del color fue Aristóteles, quien descubrió los “colores básicos” relacionados con la tierra, el agua, el cielo y el fuego.

Leonardo da Vinci clasificó como colores básicos al amarillo, verde, azul y rojo de acuerdo a aquellas categorías de Aristóteles, agregando blanco como receptor de todos los demás colores y el negro (la oscuridad) como su ausencia.

                                                     "La Última Cena". L. Da Vinci.

En 1666, Isaac Newton plantea los fundamentos de la teoría del color, base del desarrollo científico posterior.

En 1810, Goethe publicó su "Teoría de los Colores" y se convirtió en uno de los primeros investigadores modernos en estudiar la función del ojo, y cómo nos afectan los colores, así como el fenómeno subjetivo de la visión y la percepción. Fue el precursor de la Psicología del Color.

James Clerk Maxwell, en 1861, estudió la forma de obtener las imágenes a color, y utilizó un sistema aditivo. 

Imágen: http://www.europafilmtreasures.es/tricromia.htm

En 1905, Albert Münsell desarrolló un sistema con el que se ubican de manera precisa los colores en un espacio tridimensional. Para ello define tres atributos en cada color: TONO, cualidad por la que se identifica el color; LUMINOSIDAD, grado de claridad u oscuridad de un color; SATURACIÓN, grado de pureza de un color.

                                             Imagen: http://spie.org/x33063.xml

Posteriormente, la escuela BAUHAUS y sus autores han trabajado también el color y sus propiedades. 

Imágenes: http://search.creativecommons.org

LA PSICOLOGÍA DEL COLOR

El color es el fenómeno físico que produce la luz cuando los ojos la captan y perciben, y es interpretada por el cerebro. Este fenómeno físico es transmisor de sensaciones y significados.

El color está presente en nuestra vida de forma directa, pues continuamente lo estamos percibiendo. Esta percepción del color produce en nuestro cerebro diferentes sensaciones en función de cómo se combinen esos colores.

Para crear esas emociones y sensaciones, los colores se combinan en función de la armonía y el contraste, produciendo imágenes más o menos agradables a la vista. 

Aquí podemos observar dos imágenes que utilizan colores complementarios para dar contraste y así producir diferentes sensaciones:

En cambio, en esta otra imagen el pintor utiliza colores equidistantes para producir un contraste más perfecto:

Otros colores, en función de la combinación, pueden evocar distintas sensaciones térmicas:

Se puede observar claramente cómo los colores pueden influir en las sensaciones, y que las personas asociamos los diferentes colores con sentimientos o valores, por ejemplo, el rojo la pasión, el azul o el blanco la pureza y tranquilidad, el verde con la naturaleza, etc.

Cuando hablamos del color y su psicología, es importante destacar que no todas las personas van a ver y sentir lo mismo. Es muy importante la subjetividad del que ve. 

Todo esto se utiliza para crear un lenguaje visual con el que comunicar algo; se denomina semiótica del color. Los colores expresan estados anímicos y emocionales de muy concreta significación psíquica, también ejercen acción fisiológica.

"Quien nada sabe sobre los efectos universales y el simbolismo de los colores, jamás podrá emplearlos adecuadamente". Eva Heller

APRENDE A ENSEÑAR, ENSEÑANDO APRENDERÁS

Por mucho que la mayoría de la gente piense lo contrario, la verdad es que ser un buen maestro no es sencillo. 

Los futuros maestros nos esforzamos por aprender cada día a enseñar; aprendemos diferentes metodologías, leyes educativas, formas de motivar a nuestros futuros alumnos, además de contenidos de cada asignatura.

Para ser maestro hay que sentir la vocación, ya que se va a dedicar toda una vida a ello. Personalmente, sé que acerté cuando decidí estudiar esta carrera, ya que va con mi forma de ser, y porque quiero devolver al mundo todo lo que me ha enseñado, y que aún me queda por aprender.

Ser un buen maestro no consiste en estudiar 4 años y aprobar unas oposiciones, porque eso lo puede hacer cualquiera. Ser un buen maestro conlleva una responsabilidad con tus alumnos, un esfuerzo y un afán de superación por seguir formándote día a día, sin dejar de aprender nunca. 

Un maestro jubilado me dijo una vez que no se llega a ser un buen maestro hasta que no das tu última clase, tras años y años de ejercicio y formación contínua, y que no se es consciente de ello hasta que un antiguo alumno, después de muchos años, se acerca a saludarte y a darte las gracias por lo que se hiciste por él o ella. 

Como alumnos, sabemos si alguien es un buen maestro cuando tienes un recuerdo de esa persona grabado en la memoria, y que te marcó para toda tu vida. 

Dentro de varios años me gustaría poner en práctica todo esto que estoy aprendiendo, y seguir aprendiendo cada día de cada situación, de cada momento, de cada clase, de cada uno de mis futuros alumnos y de cada uno de mis compañeros, y llegar a ser ese maestro jubilado al que saluden por la calle y den las gracias, de ser recordado por mis alumnos, de ser un buen maestro.

LOS 4 MODELOS HISTÓRICOS DE ENSEÑANZA

La forma de interpretar y crear el arte se ha ido transformando y evolucionando a lo largo de la historia del arte. El arte era algo básico y principal para muchas culturas como la griega; el arte era un elemento cultural muy importante. Sin embargo, en la actualidad el arte no se ve como algo necesario, sino como un hobby y en los colegios se cursa una asignatura que no es un fiel reflejo de la grandeza del arte. 

Existen cuatro modelos históricos en la enseñanza del arte, que aún hoy se intentan conservar. Estos son: El taller del artista, la Academia, la Bauhaus y el Genio.

EL TALLER DEL ARTISTA.

El primero de los modelos y el más antiguo, es el más simple y eficaz de los cuatro. Este modelo se basa en la experiencia, en la que el maestro enseña a sus alumnos. 

A lo largo de la historia se publican multitud de libros y manuales dedicados al conocimiento de técnicas y materiales y tratados y libros, principalmente de láminas con dibujos y esquemas gráficos, que enseñan cómo dibujar o pintar imágenes concretas.

Dibujo del siglo XII. Joven aprendiz Everwinus y su maestro Hildebertus.

LA ACADEMIA.

En 1563, el artista e historiador Giorgio Vasari fundó la primera academia de dibujo en Florencia.

En este modelo se enseñan los métodos tradicionales. El sistema de la academia de Bellas artes fue creado y elaborado a través de los tratados escritos por León Battista Alberti, Piero della Francesca, da Vinci y Durero, además d otros artistas y teóricos del Renacimiento, principalmente italianos.

El proceso de aprendizaje e investigación debía desarrollarse en torno a dos grandes ejes. Por una parte en el conocimiento científico que fundamentaba la creación artística como la perspectiva, la geometría, la anatomía…y por otro lado en la práctica del dibujo, principalmente la pintura y la escultura.

El hombre de Vitruvio, Leonardo da Vinci

LA BAUHAUS.

La Das Staatliches Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) o como es más conocida, la Bauhaus, fue la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933.

Este modelo está ligado a la simbología, a lo abstracto. El dibujo, la pintura y la escultura ya no tienen porqué estar pendientes de imitación de la realidad, sino más bien concentrarse en su propia realidad expresiva. Se entiende el arte como lenguaje. 

La pintura es expresión en sí mismo, deja de relacionarse con la representación.  Detrás de la imagen hay información.

Ver es pensar, y por consiguiente, las obras visuales son un modo de conocimiento y las artes visuales constituyen un lenguaje.

El aprendizaje de una gramática de las imágenes es imprescindible para la comprensión de la cultura actual.

EL GENIO

El sistema del genio o del desarrollo creativo personal fue prefigurado por los artistas románticos. Fueron ellos los primeros en considerar la libertad y originalidad como el criterio artístico fundamental.

Viktor Lowenfeld sostuvo que para desarrollar la capacidad creadora sólo hay un camino: crear. Y para crear no es necesario ningún tipo de conocimiento previo (anti-modelo).

El artista debe permanecer en un proceso de cambio e innovación constante. 

MODELOS DE ENSEÑANZA

Existen multitud de caminos para enseñar, sin embargo, el mejor camino es aquel que instruye y educa para la vida.

La Educación Plástica y Visual es una buena manera de educar para la vida, ya que enseña valores formativos y culturales que, de otra forma, no llegarían a nosotros.

La vida requiere tener unas competencias básicas como son el conocimiento, distintas habilidades y unos valores y actitudes que formen a las personas. Los maestros debemos enseñar a nuestros alumnos a que ellos aprendan por sí mismos, y de esta manera formar personas autónomas.

Son ellos los que deben aprender a conocer, aprender a hacer y aprender a convivir, fomentar el auto-aprendizaje en un mundo cambiante.

En el currículo de la actual Ley Educativa, aparecen una serie de competencias básicas que centran todos los aprendizajes de los alumnos en la escuela, y que ponen de manifiesto lo dicho anteriormente. Estas competencias son:

1.Competencia matemática.

2.Competencia en comunicación.

3.Competencia artística y cultural.

4.Tratamiento de la información y competencia digital.

5.Competencia social y ciudadana.

6.Competencia en el conocimiento y la interacción con el mundo físico.

7.Competencia para aprender a aprender.

8.Autonomía e iniciativa personal.

Queda claro que el arte es una competencia importante, y que tiene un gran valor educativo, pues se ha estudiado desde siempre, y acerca a los alumnos y a todas las personas momentos de la historia lejanos en el tiempo, pero que podemos rescatar y estudiar en estas asignaturas.

La Educación Artística fomenta el auto-aprendizaje de los más pequeños, y da al profesor la posibilidad de crear su propio modelo de enseñanza.

Imágenes: http://search.creativecommons.org